Miguel Angel Vivas est diplômé en communication audiovisuelle de l’Université Européenne CEES de Madrid et comme réalisateur. Il débute avec un premier court-métrage horrifique, El hombredel saco (2002), récompensé au Festival cinématographique de l’Atlantique Alcances, au Festival Fantastique d’Estepona (meilleur réalisateur) et au Festival de Montpellier (Prix CINECINEMA). I’ll see you in my dreams (2003) est un court-métrage zombiesque très remarqué, qui a reçu de nombreux prix : Méliès d’Argent du meilleur court-métrage Européen à Strasbourg ; Meilleurcourt-métrage au Festival du Film Fantastique de Fantasporto (2004), Prix d’or au Festival international de Film Fantasia(2004)… Après avoir décroché le prix Opéra Prima de la chaîne espagnole Antena 3, il dirige son premier long métrage, Reflections (2003),un thriller interprété par George Corraface, Ana Fernandez et Emilio Gutierrez Caba entre autres. A côté de son travail de cinéaste, il enseigne à l’université Européenne de Madrid. Miguel prépare actuellement son premier long métrage en langue anglaise : Welcome to Harmony.

« La question de la multiplication de la violence à domicile et de la séquestration n’est pas nouvelle. Il m’a pourtant paru important de traiter ce sujet, mais en fuyant les codes du thriller conventionnel. Ce qui m’intéressait le plus, c’était l’authentique terreur de l’inconnu provoquée par ce type de situation. La profanation du lieu intime, sacré, qu’est la maison. J’ai souhaité refléter des faits dramatiques existants sous forme d’allégorie politique, regarder et montrer les victimes sous un angle concret et réaliste, approcher au plus près des mécanismes d’insécurité déclenchés par un tel assaut qui peut arriver à n’importe qui, surgir à tout moment. »

« Sur ce scénario qui n’a cessé d’évoluer au moment des essais, l’idée était de transposer au cinéma de genre les codes du documentaire, de domestiquer les espaces pour créer une réalité et une vérité qui se diluent avec le temps, échappent au spectateur au fil des séquences, petit à petit aussi démuni que les victimes du film, dans une totale incompréhension de la violence manifestée par les kidnappeurs, et donc dans l’impossibilité de communiquer. J’ai naturellement opté pour une photographie en harmonie avec le ton du film : crue, directe, sans concessions.

 » C’est une sensation incroyable de pouvoir suivre les personnagesde l’intérieur de la maison à l’extérieur sans couper la caméra. Le cut ne donne pas seulement au spectateur un sentiment de trucage, de fiction, il est aussi là pour lui imposer le récit, le faire sortir d’une situation pour l’amener à une autre. En éliminant le découpage, on a alors le sentiment vertigineux que les personnages ne sont plus là pour lui raconter une histoire, mais pour lui faire vivre leur épreuve par procuration, en lui tenant la main du début à la fin, sans lui laisser, à l’identique de ce qu’ils subissent, le temps de respirer. Cette utilisation du plan séquence ne doit pas être entendue comme un exercice de style beau et spectaculaire. C’était pour moi une condition de tournage indispensable à l’atmosphère de KIDNAPPES. »

« Pour les mêmes raisons que développées précédemment, plutôtque d’utiliser le cut dans les pics de situations dramatiques, je lui ai préféré le split screen qui m’a permis de suivre simultanément la famille et les agresseurs. Ces partis-pris exigeaient que nous ayons recours au son direct pour les dialogues, mais avec le souci que le résultat soit propre. Les différentes ambiances sonores obtenues doivent être ainsi davantage être perçues comme de purs et simples éléments de décoration sonore mis au service des angoisses des personnages. »

« L’essentiel du tournage se déroule à l’intérieur de la maison qui de fait devient un véritable personnage du film. Ce choix de quasi lieu unique était donc majeur. Après plusieurs mois de recherche, nous avons enfin trouvé celle qui convenait dans un quartier résidentiel : Las Rozas à Madrid. D’architecture moderne, spacieuse, avec sous sol et garage, éclatée en grandes pièces séparées par des portes coulissantes, avec les chambres alignées sur un même couloir, comme capable de se mouvoir, donnant l’impression d’avoir vécu. Et donc, malgré son côté clinquant, son implantation en zone résidentielle – une de ces micro-villes séparées du reste du monde avec un agent de sécurité à l’entrée – quelque chose de familier semblait s’en dégager. »

Au cinéma le 30 Novembre prochain.

Comment c’est passé le tournage, surtout les effets gores par exemple ?

Chloé Coulloud : Lors qu’une certaine scènes, on devait jeter un mannequin du dernier étage de la maison avec Chloé et tous les mecs de l’équipe qui se croyaient forts et puissants ont essayé de la jeter mais le mannequin n’arrivait jamais au centre de l’objectif. Je leur ait dit : on parie que si j’y arrive, vous me payez une bouteille de champagne. Et au premier esssai, j’ai réussi une super prise qui a été acceptée dans le film d’ailleurs. J’étais très contente de pouvoir faire semblant de jeter quelqu’un de trois étages comme ça (rires). C’est vrai que Chloé ( Marcq ) était un peu réticente à toucher le sang ou ce genre de choses alors que moi j’adorais justement, je le faisais à fond.

Chloé Marcq : Sauf que moi je me suis reçue du sang

Chloé Coulloud : Je déteste ce genre de films mais j’en ai toujours eu envie pour ça, pour le fun en fait. J’ai aussi donné mon premier coup de poing à Chloé sans faire exprès. Celui qui est monté dans le film en fait y’a une petite erreur sur le tournage, le coup de poing, elle l’a reçu pour de vrai .. J’ai aussi mis un coup de pied dans le nez de Marie-Claude Pietragala, j’ai mal géré mon coup.

Justement, en tant que personnes pas trop habituées au cinéma de genre, qu’avez-vous pensé du film ?

Félix Moati : Moi je le trouve très beau, mais on l’a vu qu’une fois y’a 10 jours.

Chloé Coulloud : C’est un vrai conte fantastique, c’est très fidèle à ce que j’ai pensé du film à la lecture du script.  Mais c’est vrai que si je l’avais vu sans avoir joué dedans, j’aurais vraiment flippé. Y’a des images sublimes, et je pensais pas qu’elles seraient aussi belles quand on les a tournées, notamment celles de Chloé ( Marcq) en extérieur. $

Chloé Marcq : Quand on est arrivés, on sentais bien que Chloé était impatiente de voir ce que ça donnait.

Félix Moati : J’ai adoré mais je m’attendais pas du tout à ce résultat, avec tout le côté ancien de la maison et surtout de la décoration. Très baroque.

Chloé Coulloud : Les décorateur ont fait un travail énorme, parce que la maison, à la base, elle est loin d’être aussi effrayante. Par exemple la pièce de la chambre d’Anna avec les peluches était sublime, le travail a été fait avec beaucoup de détails. $

Félix Moati : Avec cette atmosphère baroque et isolée, on se rend compte que les héros sont finalement des gens assez seuls, y’a plus rien à quoi ce raccrocher. C’est un film sur les gens seuls en fin de compte : les vieux il faut s’en occuper, Jessel elle est comme eux finalement, elle a aussi besoin d’aide. On rentre en empathie avec quelqu’un de monstrueux.

On sent que les créatures sont beaucoup plus exposées que les humains dans le film..

Félix Moati : Les humains ils sont un prétexte en fait.

Chloé Coulloud : On les rend humaines à travers l’interprétation et les flashbacks aussi. C’est pas gratuit, y’a une histoire derrière.

Felix Moati : On voit que tu te prend d’affection pour la jeune fille Chloé dès le début.

Chloé Coulloud: Oui à partir du moment où mon personnage rentre dans la maison, elle est attirée par cette vieille femme, happée par la maison. Elle se demande ce que c’est cette histoire, ce qui se cache derrière, elle a envie de voir ce qui s’y passe, ce qu’est le trésor.

Felix Moati : Elle est hypnotique cette maison c’est vrai.

Chloé Coulloud : Mais au final c’est une histoire plutôt simple : celle de trois gamins qui ont envie de changer de vie, qui vont bousiller leur vie et celle de Jessel et se retrouver bloqués dans cette maison.

A l’occasion de la sortie de Fright Night le 14 Septembre prochain, remake modernisé et un peu édulcoré du fameux Vampire vous avez dit Vampire  ? ( Fright Night aussi dans sa version originale ) film culte des années 80. Cette fois-ci, l’histoire se concentrera Charley Brewster (Anton Yelchin), élève de Terminale qui connaît tous les succès : il fréquente les jeunes gens les plus en vue du lycée et sort avec la plus jolie fille de l’établissement.

D’ailleurs, il est tellement sûr de lui qu’il ne ménage même pas son meilleur ami, Ed (Christopher Mintz‐Plasse). Mais les ennuis commencent quand Jerry (Colin Farrell) emménage à deux pas de chez lui. S’il semble être un type sympa au premier abord, il y a chez lui quelque chose de malsain, et pas même la propre mère de Charley (Toni Collette) n’y prête attention ! Après l’avoir observé plusieurs jours, Charley en conclut, sans le moindre doute, que Jerry est un vampire qui se repaît des habitants du quartier. Ne parvenant pas à convaincre qui que ce soit, Charley devra prendre les choses en main pour se débarrasser une fois pour toutes du monstre.

FRIGHT NIGHT est réalisé par Craig Gillsespie et produit par Michael De Luca et Alison Rosenzweig. Rencontre avec le réalisateur :

Comment êtes-vous passé d’un film assez modeste comme UNE FIANCÉE PAS COMME LES AUTRES à une production importante comme FRIGHT NIGHT ?

Le scénario de Marti Noxon m’a beaucoup plu car elle a su mêler horreur et humour, mais à une bien plus grande échelle qu’UNE FIANCÉE PAS COMME LES AUTRES. J’aime faire en sorte que le spectateur se sente sollicité. Je tiens à lui laisser suffisamment de marge de manœuvre pour qu’il décide par lui-même si telle scène est drôle ou pas, ou si le ton est tragique ou effrayant. Nous avons tous notre propre interprétation des histoires que nous entendons et j’aime bien l’idée que chacun ait son point de vue sur un film.

Je n’avais pas encore eu l’occasion de faire de la caméra l’un des personnages de mon film. Dans le cinéma d’horreur et les thrillers, cela fait partie intégrante du dispositif de mise en scène. Dans mes précédents films, je m’étais surtout concentré sur le jeu des acteurs, et je voulais que la caméra soit invisible. Dans celui-ci, la caméra est l’un des protagonistes et, à ce titre, suscite du suspense, de la peur, et des émotions fortes, lorsqu’elle se faufile dans une pièce ou qu’elle filme un personnage à la volée. C’était vraiment amusant à faire.

Qu’est-ce qui vous a posé le plus de difficultés en tournant le film en 3D ?

Je tenais vraiment à utiliser cette technologie avec fluidité et à ce qu’elle ne prenne pas le pas sur le jeu des acteurs. Tourner en 3D ne fait pas du tout appel aux mêmes capacités qu’en 2D. Il existe beaucoup de règles sur ce qu’il faut faire ou ne pas faire quand on utilise des caméras 3D, mais au bout du compte, j’ai eu le sentiment qu’il s’agissait avant tout d’avoir une sensibilité artistique. J’ai également travaillé avec Javier Aguirresarobe, qui est un directeur de la photo extraordinaire. Il a éclairé 54 films, dont LES AUTRES, LA ROUTE et – détail amusant – les deux derniers volets de la saga TWILIGHT. On a travaillé avec une profondeur de champ restreinte, ce que l’on n’est pas censé faire en 3D, mais on s’est dit que le spectateur aurait le sentiment de se retrouver dans un espace confiné et clos.

L’autre spécificité du tournage en 3D, c’est que la caméra doit être stable. On ne peut pas vraiment tourner caméra à l’épaule car le matériel est trop encombrant. Paradoxalement, FRIGHT NIGHT m’a ramené à l’époque d’un tournage traditionnel. J’ai fait des mouvements d’appareil très lents, à la Dolly, car il fallait tourner les scènes en un seul plan. C’était intéressant de viser cette fluidité.

Comment s’est passée votre collaboration avec DreamWorks ?

C’était formidable. Ils m’ont vraiment fait confiance parce que je n’étais pas a priori le réalisateur qui s’imposait pour ce type de projet. S’agissant de la tonalité d’ensemble qu’on cherche à obtenir, c’est toujours une question extrêmement délicate. Il faut savoir qu’on a le soutien du studio, parce que si on part dans trop de directions à la fois, on peut se perdre en cours de route. Il faut avoir une vision très claire des choses quand on réalise un film, et DreamWorks m’a beaucoup encouragé dans ce sens et m’a donné les moyens d’y arriver. Le studio m’a aussi fait confiance pour le casting et le tournage. J’ai dû tourner quelques plans très compliqués et ils m’ont aidé à les mener à bien.

Avez-vous été satisfait du casting ?

Je crois bien que c’est Howard Hawks qui disait que le casting compte pour 90% dans la réalisation d’un film. Anton s’est beaucoup investi personnellement dans son personnage et dans son parcours initiatique. Il joue le type solide du film, ce qui est toujours très compliqué. Pour Imogen, il fallait surtout travailler ses rapports avec Charley et l’évolution de leur relation. Christopher Mintz-Plass et David Tennant ont apporté une touche humoristique qui était bienvenue, tout en étant très concrets. On a dû trouver des acteurs qui soient en adéquation avec le ton du film, et on y est parvenu. Ils ont fait en sorte que leurs efforts ne se voient pas à l’écran.

Qu’avez-vous pensé de Colin dans le rôle du vampire ?

Il est parfait. Tandis qu’Anton joue un ado qui tente de grandir, Colin campe le mâle dominant que le garçon doit affronter pour devenir adulte. C’est un affrontement classique entre deux mâles, et une situation ancestrale, où deux mâles se provoquent en duel. Colin est l’incarnation même du type viril non seulement parce que c’est un vampire, mais aussi en raison de sa personnalité. Il a totalement cerné son personnage. Il a abordé le rôle sans crainte et a compris instinctivement ce qui se jouait. Colin a apporté tout un tas de petits détails qui donnent vraiment vie au personnage.

A l’occasion de la sortie de La Traque le 13 Juillet prochain ( anciennement Proie ) Allociné a rencontré le réalisateur du film, Antoine Blossier.

La Traque raconte l’hisoire suivante : Une nuit, plusieurs cerfs se jettent inexplicablement sur la clôture électrique d’une exploitation agricole. Apercevant de profondes traces de morsures sur les cadavres des bêtes, les propriétaires de l’exploitation comprennent qu’un prédateur sévit dans les bois alentours. Décidée à le chasser, la famille d’agriculteurs s’enfonce au coeur de la forêt voisine. Stupéfaits, ils constatent que la nature environnante se meurt, ravagée par un mal inconnu. Alors que le soleil décline, des hurlements retentissent autour d’eux. Les chasseurs sont devenus les proies…

N’ayant pas pu faire cette interview pour cause de vacances, voici un aperçu de la rencontre avec James Wan qui a eu lieu il y a 15 jours par le Grand Chandleyr ( son site )

Lire notre critique du film

DEXTER SAISON 3, TM, © Showtime Networks, Inc. Tous Droits Réservés. © 2009 CBS Studios Inc.
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A l’occasion de la sortie en Dvd en France de la saison 3 de Dexter il y a quelques jours, retrouvons Michael C hall, l’interprète principal de la série pour un entretien autour de cette saison. Cette fois-ci, Dexter se décide à mener sa vie différemment lorsqu’une affaire délicate l’amène à rencontrer le procureur le plus puissant et le plus influent de Miami, Miguel Prado. Son besoin de se débarrasser des coupables impunis mènera-t-il finalement Dexter à sa perte ? A moins que son nouvel ami procureur lui permette d’obtenir tout ce qu’il veut…

Dexter saison 3 – Interview de Michael C. Hall par waytoblue

A l’occasion de la prochaine sortie des Nuits Rouges du Bourreau de Jade le 27 Avril, nous avons eu la chance de rencontrer les réalisateurs pour une interview de près d’une heure !

Vous avez travaillé sur des scénarios depuis des années ensemble. Les Nuits Rouges du Bourreau de Jade est votre premier film, comment en êtes-vous venus à ce projet, vous aviez déjà une idée en tête de ce que vous vouliez faire ?

C’est vrai que depuis longtemps on voulait passer à la réalisation, depuis toujours en fait. Et l’opportunité s’est présentée parce qu’on a monté notre propre société, c’est nous qui avons enclenché les choses, on a monté notre compagnie à Hong-Kong. Donc on a commencé tout de suite à monter un projet pour réaliser et les choses se sont enclenchées rapidement, on a eu des investisseurs et une offre de co-production avec la France. Après l’idée du film à proprement parler, c’est parti d’un lieu à Hong-Kong, qui ne se trouve même pas dans le film d’ailleurs, on le voit juste dans un court métrage qu’on a fait avant le film. C’est dans l’ile de Hong-Kong où c’est très pentu, il y a souvent de longues marches, d’immenses escaliers ; en se baladant dans ce coin là on se disait que ça serait rigolo l’idée d’une femme qui se ferait poursuivre comme ça dans les escaliers, comme dans les Giallo, avec un assassin ganté peut être qui pourrait courir après elle. Ça a commencé un peu comme ça. Et puis après, sachant qu’on voulait travailler avec Carrie Ng, une actrice qu’on aimait beaucoup, l’idée d’un personnage de tueuse pour elle c’était déjà une idée qu’on avait et les choses se sont mises en place progressivement.

Comment vous êtes-vous répartis les tâches ? Réaliser à deux c’est un travail particulier, peut être plus facile finalement ?

On est assez interchangeables, une tête avec deux corps en fin de compte, on écrit de cette façon là depuis 15 ans ensemble. On se partage les tâches, il n’y en a pas un qui soit spécialisé dans un aspect particulier, on parle d’une même voix et au niveau pratique, ça nous permet d’être à deux endroits en même temps. Sur une scène par exemple, Julien pourra s’occuper des acteurs pendant que moi, je parle avec le chef opérateur, ou inversement. Et on ne va pas compter pour arriver à un quota de 50% chacun, on discute beaucoup, aussi bien dans l’écriture que dans la mise en scène. On a beaucoup d’influences communes et les mêmes références, on n’a jamais deux idées très différentes sur un même sujet. En général, cela se fait naturellement. Si l’on s’aperçoit que l’on fait face à une situation où il y a un problème à résoudre, on discute pour résoudre la chose. Cela nous permet d’avoir un recul immédiat, car si Julien par exemple fait quelque chose, c’est certainement ce que j’aurais fait aussi, mais le voyant le faire, ça me permet de voir si il y a un truc qui manque ou qui nécessiterait une relecture. Alors que quand tu es seul, tu as le regard plongé dans ta copie et tu ne vois pas tes propres erreurs.

D’où est venue cette histoire du Bourreau de jade ? C’est inspiré d’un film de John Woo, cette histoire légendaire du 1er empereur ?

Cela fait longtemps dans le cadre de nos scénarios et de notre travail avec les réalisateurs Hong-Kongais que nous avons pu avoir affaire avec à la culture historique chinoise. Ce qui est intéressant, c’est quand tu invente une histoire fantastique «non réelle» et que tu lui donne une certaine forme de véracité. On avait l’idée de ce poison pour venir compléter le personnage de tueuse et la façon de mettre en scène ces meurtres avec les pratiques SM. On a eu aussi l’idée d’intégrer l’opéra cantonnais pour raconter le background de notre histoire, à partir d’un film de John Woo, lui-même adapté d’un opéra cantonnais, une sorte de Roméo et Juliette avec des amants maudits qui finissent par se suicider ensemble. Un thème classique aussi bien dans la littérature occidentale que dans la culture chinoise. Ensuite, nous sommes allés chercher dans quel cadre historique l’intrigue pouvait s’ancrer pour lui donner une forme de crédibilité. Effectivement, le 1er empereur est mort empoisonné, et à cette époque, ils pratiquaient des tortures très sophistiquées, et il y avaient beaucoup de recherches alchimiques, ils cherchaient à prolonger leur vie avec le mercure. C’est une période qui a permis le développement d’une certaine médecine et d’acuponcture. Donc c’était assez probable qu’il y ait eu un chef exécuteur qui ait utilisé le fameux poison. Ça nous permet de franchir le pas vers ce qui nous arrange en restant sur une base crédible. (…)

Justement, cette réappropriation de la culture chinoise, comment est-elle perçue sur place ?

Aujourd’hui ils nous connaissent bien donc ils savent qu’on est des fous (rires). On aime beaucoup l’opéra cantonnais, c’est un art populaire qui survit difficilement à Hong-Kong ; c’est des gens qu’on aime bien donc ça s’est fait naturellement. Ça nous est arrivé d’aller voir des opéras cantonnais et on étais les deux seuls occidentaux dans la salle. Peut être la différence c’est que quand on est étranger et qu’on montre un intérêt pour la culture française, la France est assez flattée et ils pensent que tu marches vers eux. A Hong-Kong, ils trouvent ça normal et peu dérangeant. Comme on joue avec une mythologie très vaste et on extrapole, ça va. Mais si on faisait un film où était mis en scène le 1er empereur, là on nous aurait dit qu’on n’y connaissait rien en tant qu’étrangers. [...]

Comment êtes- vous parvenus à l’idée de mettre en place ce face à  face entre la française et  Carrie. Comment vous êtes arrivé à l’idée de cet affrontement ?

D’abord c’était la nécessité bêtement pratique de la co-production. L’idée de départ était de faire un film avec un personnage de tueuse psychopathe et passionnante avec Carrie et à ce moment là il n’était question d’en faire qu’un film chinois. Et quand notre partenaire français nous a proposé d’en faire un film franco-hongkongais, on a décidé d’inclure des personnages français. On n’avait pas encore commencé l’écriture, donc rien n’a été changé. On a pris un personnage que l’on a transformé en française. On a eu à se poser cette question. Notre personnage principal reste toujours Carrie même si c’est la méchante. Elle reste tout de même notre héroïne. L’autre, c’est la gentille, enfin façon de parler puisqu’elle est cupide et tue son amant. Il n’y a pas vraiment de victime dans ce film, personne ne mérite de s’en sortir. On a décidé de jouer avec les stéréotypes et les fantasmes sur l’héroïne française dans le cinéma de genre. Dans le cadre de cet affrontement, on voulait aussi que cela soit un jeu de séduction entre les deux. Une forme de préliminaire permanent, d’asticotage. Qu’elles soient mises face à face, mais sans se croiser et sans se rencontrer réellement. Dans ce face à face, tu as la hong kongaise et la française, la brune la blonde, les couleurs de vêtement, toute l’imagerie. Après ça se décline de toutes les façons, dans la psychologie, dans leur action.

Cette opposition est vraiment flagrante dans la scène où Carrie vient présenter le parfum et qu’elle aperçoit Catherine …

C’est aussi une figure récurrente du cinéma de Hong kong où tu as l’affrontement  entre deux personnages hors norme. Et a partir du moment ou tu mets deux femmes au lieu de deux hommes, cela prend une tournure différente car tu as toujours une charge érotique dans ces films là. Tu mets deux femmes et cela  le devient  donc encore plus. C’était assez amusant de faire ce jeu là. On nous a souvent demandé de travailler sur des scripts qui intégraient des personnages occidentaux dans le cinéma d’Hong Kong qui tournaient souvent  aux clichés. L’exemple c’est Rush Hour. Les hong-kongais eux même sont prêts à accepter et à générer des caricatures de ce qu’est Hong Kong. A partir du moment ou tu intègres ce personnage d’occidental, c’était rigolo de jouer avec des codes liés à l’histoire de ces cinémas. [...]

Pour ce qui est des références, on a pensé à Martyrs, à Freddy pour les griffes, est-ce complètement volontaire?

C’est pas tant que ce soit un clin d’œil mais forcément une fois que l’on a vu ces griffes et qu’on les a conçu comme instrument de torture… L’influence vient plutôt de Confession intime d’une courtisane, ou la méchante tue avec ses ongles, c’est plutôt ce coté art martial. Mais forcément tu as une scène ou tu as la méchante avec des griffes dans la main, tu as envie de les faire racler contre le mur. On assume complément. Si le lit de suffocation fait penser a l’Empire Contre Attaque, on va pas te dire, que non on a jamais vu ce film (rire) [...] On reste quand même des gros cinéphiles et on avait  peur de faire un catalogue de référence.  Et c’est plutôt, chez les cineastes que l’on aime, les réponses qu’ils donnent à une situation, dans le cadrage ou dans la manière de découper.  C’est au moins pour nous d’essayer de pas reprendre littéralement les choses. Ce sont des solutions qui viennent naturellement. Les mêmes problèmes tendent a conduire aux mêmes solutions. Après, c’est fait avec plus ou moins de talent. Tu as juste  la question pratique de devoir faire quelque chose de beau avec ce que tu as sous la main, c’est à dire un bon directeur artistique et un bon chef op. Donc tu vas utiliser la lumière pour sculpter l’espace et donner du style et du cachet, des couleurs très marquées qui vont te donner une identité visuelle forte. C’est des problèmes auquel était confronté Bava par exemple, pas beaucoup d’argent mais c’est un brillant réalisateur et directeur artisique. C’est pas qu’on le copie mais c’est des solutions que l’on aime et auxquelles on pense parce que l’on a vu ses films. Ce ne sont pas directement des hommages. On voulait vraiment pas que ça soit un catalogue, une suite de clins d’oeil qui s’adressent au fan de ces films là. Forcément conscient et inconscient. On voulait surtout pas que ça soit un espèce de jeu de parcours. Et d’ailleurs ça serait certainement trompeur car il y a beaucoup de références qui ne sont pas  cinématographique. [...]

Il y a une alternance entre des décors presque futuristes et des intérieurs qui correspondent à l’image traditionnelle que l’on se fait de la maison asiatique. Comment les avez vous mis en place ? Y avait-il une volonté d’illustrer un aspect de la société Chinoise ?

Pour les extérieurs, on écrit en fonction des lieux. C’est une méthode que l’on a apprise avec Wong Kar-Waï. Tu fais d’abord tes repérages et en fonction des lieux trouvés, tu fais tes séquences. Pour la plupart des extérieurs, c’est le cas, même si il y en a assez peu dans le film. Et pour le reste, le fait d’avoir une direction artistique très affirmée permet d’habiller le film quand tu as des moyens limités ce qui est le cas pour une série B à petit budget. Le fait de l’habiller comme ça place le film un peu hors du temps, et on voulait que que le film ne soit pas lié à une époque précise. Rien ne dit si le film se passe dans les années 70, 80 ou aujourd’hui. On a choisi les lieux en fonction de ça et pour les décors on a travaillé dans cette direction là avec le directeur artistique. Il n’y avait pas de volonté de représenter la société de Hong Kong c’est plutôt des envies esthétiques. On voulait une scène avec des mannequins, on voulait une pièce japonaise et pour la salle de torture, on a vraiment travaillé main dans la main avec le directeur artistique pour arriver à quelque chose où l’on ne sache pas trop où l’on est que  cela  soit un peu onirique. [...]

Pourquoi et comment vous êtes arrivé à choisir Frédérique Bel ?

Nous étions depuis longtemps à Hong Kong et n’avions donc pas d’image préconçue d’elle. Nous n’avions pas vu La minute blonde par exemple. Le choix s’est fait sur elle, d’abord pour sa silhouette. C’est très rare dans les films asiatiques le fantasme sur la femme occidentale, mais quand ça arrive, elle est un peu représentée comme Bel. Chez Tezuka quand il dessine les femmes occidentales, elle ressemble à Bel ( le nez pointu, la silhouette, les jambes très fines ). quand on l’a vu la première fois, elle s’était un peu habillée dans ce style là donc on c’est dit c’est bon, graphiquement. Comme il y avait cette recherche de la confrontation visuelle, on avait dessiner son personnage très précisément.

Pour la musique, c’est le même groupe qui a composé la musique de Martyrs. C’était voulu dès le départ ou c’était le fruit du hasard ?

On a beaucoup réfléchis a la musique, sachant que l’on voyait bien qu’il y avait un tour un peu giallo la dedans. On voulait pas aller vers la solution d ‘amer par exemple, d’ utiliser des musiques dépoques, on a fait des essais avec des musiques provisoires pendant le montage, en utilisant des musiques vraiment très typées des années 60. Ça donnait un coté glacé trop distancié; Le partis dans amer fonctionne très bien car tout est conçu comme ça mais on c’est dit que chez nous ca fonctionnerait pas très bien. On a rencontré plusieurs compositeur et notre monteur, qui est celui de Martyrs, quand on a  commencé discuter de ça c’est lui qui nous a dit « pourquoi pas faire un essai avec Seppuku Paradigm ». On s’est rencontré, ils ont fait la musique de la séquence avec Bel qui est dans son appartement  car cette dernière était déjà pratiquement terminée et c’était exactement ce que l’on voulait. Ce qui est super, c’est que l’on est pas de la même génération, ils ont pas le même bagage cinéphiles que nous. Ils sont beaucoup plus libre dans leur approche de la musique. On leur a laissé vraiment toute liberté pour aller dans toutes les directions.

Vous préparez un deuxième long métrage (Trois jours ailleurs) avec Eric Cantona. On restera dans les mêmes thèmes ?

Ca se passe à Hong Kong. On a le casting, on est en attente pour voir si on va avoir tout le budget, c’est pas entièrement confirmé.  Donc c’est pour Alice  Taglioni , Eric Cantona et  Isaach de Bankolé. C’est une autre approche des occidentaux à Hong kong, plus comédie romantique action suspens et plus dynamique que les nuits rouges. Ce sera beaucoup plus rapide et il y aura plus d’action, un polar en fait.

A l’occasion de la sortie de Piranha 3D en Dvd et Bluray fin Février dernier, nous revenons toute la semaine sur le phénomène grâce à des interviews d’Alexandre Aja accompagné pour l’occasion de Fausto Fasulo, le rédac chef de Mad Movies. Aujourd’hui, demandons à Aja ce qu’il pense de la 3D et de ses abus ..

A l’occasion de la sortie de Piranha 3D en Dvd et Bluray fin Février, revenons toute la semaine sur le phénomène grâce à des interviews d’Alexandre Aja accompagné pour l’occaison de Fausto Fasulo, le rédac chef de Mad Movies. Aujourd’hui, il revient sur son inspiration pour le film du cinéma de créatures des années 50.

A l’occasion de la sortie de Piranha 3D en Dvd et Bluray fin Février, revenons toute la semaine sur le phénomène grâce à des interviews d’Alexandre Aja accompagné pour l’occaison de Fausto Fasulo, le rédac chef de Mad Movies. Aujourd’hui, demandons à Aja pourquoi tant de gore ?