Dario Argento est un mec sympa et veut laisser sa chance au jeune : pour son nouveau film, le Maître de l’Horreur italienne a apparemment sous-traité une partie de son Dracula 3D à une première année d’école de cinéma. Les chanceux: c’est quand même sympa d’avoir son premier boulot diffusé au Festival de Cannes!

On remarquera également dans ce trailer, entre quelques audacieuses idées de mise en scène (ooooh la vision subjective de chouette en ouverture) quelques images de synthèses en forme de probable hommage à la première Playstation, ce qui titillera ta fibre nostalgique. Bien sûr, l’impact visuel sera forcément décuplé par la « 3D Stéréoscopique » qu’on imagine habilement géré.

News par Alex B
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Un nouveau trailer pour Dead Shadows, premier film du français David Cholewa.

J’avoue que j’attendais ce film depuis au moins sa première bande-démo diffusée l’année dernière…

Aujourd’hui, à la vue de cette bande-annonce censée montrer des images du long métrage final, mes ardeurs se sont bien calmées. Tout d’abord je ne comprends pas le concept de vouloir en faire trois milles fois trop niveau effets spéciaux quand on a un budget probablement très inférieur à une production Asylum. Une grande partie des plans de ce trailer sont ainsi bien corsés question bouillie numérique indigeste. Il suffit de voir ce plan d’attaque des militaires… Même l’étalonnage des plans de jour est moche, alors que les créatures (des parisiens transformés en mutants suite au passage d’une comète) et certaines atmosphères nocturnes semblent plutôt bien foutues.

Cette première réalisation qui a donc un peu trop tout misé sur la post-production a en plus l’air bien sérieuse et le personnage principal semble tout droit sorti d’un épisode de « Plus Belle La Vie« .

News par Alex B

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Anna élève seule son garçon de 8 ans, Anders. Surprotectrice, la jeune maman vient juste d’emménager dans un appartement dont elle n’a dévoilé l’adresse à personne, par peur de voir son ex-mari surgir à nouveau dans sa vie et emmener ou brutaliser son enfant. Afin de s’assurer de la sécurité absolue de celui-ci pendant son sommeil, Anna achète un baby-phone qu’elle branche dès le premier soir. En plein milieu de la nuit, celle-ci est réveillée par des cris émis par l’appareil, ceux d’un enfant semblant battu par son père et implorant sa clémence. Le début d’un calvaire psychologique cauchemardesque dont la résolution ne pourra se faire que dans la douleur et les larmes.

Quatrième long-métrage du norvégien Pål Sletaune, Babycall profite du récent intérêt porté au cinéma scandinave pour sortir sur une cinquantaine de copies dans les différents réseaux multiplexes français. Gageons que sans le succès public de la trilogie Millénium, à laquelle le réalisateur emprunte également sa très bankable star, Noomi Rapace (une fois de plus excellente, d’ailleurs), Babycall n’aurait certainement eu droit qu’à une exploitation confidentielle. En effet, son approche très auteur de la mise en scène va à l’encontre de sa supposée nature de film de genre, ce qui ne manquera pas de surprendre les amateurs de bons vieux thriller psychologiques de série B. Convoquant dans sa première partie des thématiques et des processus narratifs proches de ce à quoi la vague du yurei-eiga nous a habitué la décennie passée (famille éclatée, importance de l’enfant, surgissement d’un évènement surnaturel par le biais d’un objet familier), Babycall oublie très vite ses influences au profit d’une tonalité résolument scandinave.

La morosité des décors urbains exacerbée par une photographie crue à la blancheur malsaine s’allie ici à un sens de la compartimentation spatiale, qu’il s’agisse des éléments scénaristiques (la ville, le quartier, l’appartement, la chambre) que ceux plus intimement liés à la mise en scène (le jeu sur les cadres isole souvent les personnages de leur environnement direct). Ces partis-pris drastiques participent activement à l’histoire qu’ils racontent, de part leur effet anxyogène sur une progression narrative semblant avancer à contre-courant des désidératas d’Anna. Suspendu dans le temps et dans l’espace, l’environnement de la jeune femme agit comme un inhibiteur sur ses objectifs sociétaux (se reconstruire personnellement en renforçant les liens avec son enfant, en vue d’un nouvel épanouissement social), en imposant un statisme évidemment contraire à tout progrès psychologique. Cette rédemption indispensable, que l’on imagine déjà difficile à atteindre, tend ainsi à se complexifier à mesure que le film se déroule. Mais c’était sans compter un élément perturbateur qui va venir changer la donne d’une façon des plus radicales.

En introduisant la captation par le babyphone de cris d’enfants surgis des ténèbres, Babycall se permet un flirt direct avec le fantastique le plus pur. Cette rupture de ton anti-cartésienne dans une narration jusque là réaliste fait exploser en un instant tout les repères que l’on pouvait considérer comme acquis : l’enfermement d’Anna, autant géographique (une ville inconnue, un appartement isolant) que psychologique (oublier pour avancer) ne pourra pas agir comme le catalyseur désiré car il la confrontera inexorablement au monde et à la violence qui l’entourrent. Déclencheur dramatique qui servira ensuite de fil rouge au métrage, ce nouvel élément matérialise les peurs les plus profondes d’une héroïne en plein déni qui va devoir, non seulement y faire face mais également l’affronter pour son salut. Passée la peur des premiers instants, il est intéressant de constater que finalement, cet évènement extraordinaire agit de façon positive sur Anna, qui décide de retourner voir le vendeur qui lui a cédé l’objet au début de l’histoire, d’abord pour se plaindre puis finalement pour se confier à lui, jusqu’à envisager une relation. Car la porte de sortie est évidemment dans l’ouverture aux autres et dans l’épanouissement relationnel. Notamment dans une cellule familale fissurée.

Mais cette très intéressante orientation artistique trouve malheureusement ses limites. Très soigné dans sa construction et dans sa dynamique symbolique, Babycall aborde finalement un sujet maintes fois ressassé. Les regrets d’un passé révolu et l’infirmité sociale restent des sujets déjà abordés avec bien plus d’ambivalence. Le film de Pål Sletaune, en soi très agréable à suivre, peut aisément aboutir à une déception, tant sa rigueur formelle tutoie une surmécanisation de sa dramaturgie. Si tant est que l’on aura bien assimilé les codes visuels disséminés par le metteur en scène dans le premier tiers de son film, sa conclusion n’en sera que triviale et ne manquera pas de faire tiquer les spectateurs qui auraient préféré une fin qu’ils n’auraient pas deviné. Prolongement inéluctable d’un calvaire psychologique intense, celle-ci aurait certainement gagné à jouer l’effet de surprise. Peut-être en amplifiant l’une des dernières images marquantes du film, poétique et étrange, reliquat d’une tonalité fantastique un peu trop rapidement abandonnée.

Critique par Nicolas Dehais

Alien, le huitième passager, premier film d’une saga qu’on ne présente plus, fait partie des rares films sur lesquels le temps ne semble pas avoir d’emprise.  Un vrai classique intemporel, dépassant le stade de « perle du film de genre » pour s’imposer en chef d’œuvre incontestable du 7^ème Art. Une alchimie particulière, rarement retrouvé depuis, et dont on peut distinguer quelques ingrédients.

Tout d’abord, une réalisateur remonté et envieux d’en découdre au box-office : après des années passées à réaliser des pubs, Ridley Scott se prend une petite gamelle avec son premier film, The Duellist, pourtant prix du premier film à Cannes en 77 mais qui ne rencontrera pas grand monde à sa sortie en salle. Du moins pas autant que les œuvres d’Alan Parker, son ancien collègue pubard. Drame. Jalousie. Ridley Scott n’en dort plus et décide de changer ses plans : au lieu de tourner un nouveau film historique – une nouvelle adaptation de Tristan et Iseult – ce sera donc la science-fiction, la fantaisie, les effets spéciaux et les voyages interstellaires. C’est peut-être moins classe sur le papier mais ces éléments, associés à un budget conséquent, ont récemment fait leurs preuves avec l’attentat au box-office nommé La Guerre des Etoiles.

L’équipe au complet…

Ayant déjà rôdé le concept de créature arpentant les sombres couloirs d’un vaisseau spatial sur le comique Dark Star de John Carpenter, c’est Dan O’Bannon qui se chargera du scénario, s’inspirant très probablement d’un livre (The Voyage of the Space Beagle de A. E. van Vogt et ses aliens également parasitaires) et de quelques scènes de la Planètes des Vampires de Mario Bava. Sous la supervision de Ridley Scott, l’histoire se transforme à l’écran en une lente montée en tension ponctuée de soubresauts terrifiants et au service d’un climax final à couper le souffle. Une progression qui va prendre son temps, passant du fantastique et du merveilleux à une atmosphère claustro et angoissante, la partition de l’ultra-prolifique Jerry Goldsmith accompagnant parfaitement le large panel d’émotions traversées par le spectateur.

Un ordinateur central dans la veine du HAL 9000 de 2001, l’Odyssée de l’espace

Sur un canevas d’intrigue simple - des astronautes ramènent à leur insu dans leur vaisseau une créature extraterrestre qui va les massacrer un à un – le film va construire un univers que l’on sent immensément plus large que ce qui se déroule à l’écran, englobant l’origine de l’alien et du fameux Space Jockey, figure énigmatique trônant éventré  au centre du vaisseau échoué, et la société Weyland-Yutani qu’on imagine conglomérat tentaculaire et projection futuriste d’un capitalisme prenant l’humain pour valeur négligeable. Et cet univers ne serait rien sans les personnages s’y confrontant, ici tous bien loin de l’écriture bis qu’on verra par la suite réservée au genre fantastique. De cette microsociété isolée aux confins de l’univers, ressort immédiatement Ripley, figure de femme forte, souvenir d’une première version du script écrite pour un premier rôle masculin et conférant encore plus de mérite à Sigourney Weaver pour une interprétation et une vision de la féminité aux antipodes de celle des standards hollywoodiens. Malgré son petit côté « femme à chat » (on excusera la scène interminable de la recherche de l’animal), Riddley Scott en a fait le véritable alpha de la meuf bad ass sur grand écran.

Ripley, à la cool…

Devant le rendu sublime de la version bluray récemment sortie (ses noirs intenses, ses piqués haut de gamme), difficile de ne pas rester ébloui par le travail de mise en scène et de direction artistique… Chef décorateur à ses débuts – il a failli se retrouver chez Doctor Who – on connaît le goût du réalisateur pour les univers maitrisés de bout en bout, l’exemple de Blade Runner venant immédiatement à l’esprit. Sur le premier Alien, c’est un sans-faute et, pour mettre une claque visuelle indélébile aux spectateurs, Ridley Scott s’entoure d’une véritable dream team artistique : Moebius pour les costumes, Chriss Foss pour les design des vaisseaux et ,enfin, celui que tout le monde retiendra : H R Giger, artiste suisse bien barré, trop content d’avoir un blockbuster comme tremplin pour imposer au monde ses visions tordus, mêlant organique et mécanique, parfois littéralement (la créature comptant ainsi un véritable crâne humain).

Il faudrait peut-être songer à faire un truc…

En ressort le fameux xénomorphe et la menace extraterrestre n’a depuis jamais été paradoxalement si belle et cauchemardesque à la fois. Les réminiscences de la sexualité humaine plus ou moins subtiles traversant ses designs (le peintre avouera avoir littéralement pris pour modèle un vagin pour le système d’ouverture des œufs, histoire de se moquer des exécutifs un peu frileux), le scénario les reprend à son compte, leur opposant l’asexualité virginale d’une salle de réveil et les prolongeant dans un final en forme de rupture ombilical. Son Alien, le réalisateur décide de le dévoiler peu à peu, ménageant avec efficacité ses effets, la dissimulant même parfois dans le décor (la sublime première scène d’attaque). Un choix  qui sera un peu dénaturé par une version longue utilisant quelques plans larges sur la créature…

Surprise!

Devant une telle maîtrise et une telle réussite – le genre « menace alien et huit-clos » n’ayant toujours pas été dépassé – on peut comprendre le choix de James Cameron de trancher radicalement avec l’œuvre de son prédécesseur : son Aliens, lui, sera guerrier, ancré dans les codes visuels des films sur la guerre du Vietnam et transposera l’enfer sur une autre planète…

Critique par Alex B
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BONUS : AFFICHE ALTERNATIVE

On t’en avait déjà parlé il y a quelques temps : Maniac, le film culte de William Lustig, a désormais son remake produit par Alexandre Aja et réalisé par Frack Khalfoun (le très moyen P2). Le choix d’Elijah Wood pour le rôle principal, celui donc d’un serial killer hanté par le souvenir d’une mère un peu trop possessive, avait suscité quelques vives réactions du côté des fans du film original. Ces nouvelles photos issues du remake auront peut-être de quoi en rassurer plus d’un, l’acteur du Seigneur des Anneaux y a l’air presque crédible en collectionneur de scalps féminins. Reste à voir si l’ambiance glauquissime de la version eighties sera au rendez-vous…

Le film sera projeté à Cannes et sort à la fin du mois aux USA, attendez-vous donc à quelques échos critiques d’ici très bientôt…

News par Alex B

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Pour sa douzième édition (6-14 juillet 2012),  le Festival International du Film Fantastique  de Neuchâtel (NIFFF) propose à nouveau 9 jours de célébration du cinéma de genre.  Cette année, le festival inaugure un projet décliné sur trois éditions qui explore les synergies les plus significatives entre le  cinéma fantastique et la musique.  Au programme de la 12è édition : une rétrospective consacrée à la comédie musicale subversive avec une soirée exceptionnelle pour les 30 ans de Couleur 3 et un Ciné-concert inédit en Suisse, Metropolis.

When musical rocks !
Quand le film musical devient subversif.Après le succès rencontré en 2011 par le panorama dédié au cinéma « gore », le NIFFF s’attaque auxliens entre le cinéma fantastique et la musique. Cette année, le spectacle sera résolument au rendezvous grâce à la rétrospective When musical rocks ! Quand le film musical devient subversif. Mise à l’honneur durant les années 30, la comédie musicale connaît dès la fin des 50’s un regain de vitalitéincarné par une génération de cinéastes dont l’élan contestataire va faire souffler sur le genre  unvéritable vent de révolte. Les codes du cinéma de genre, son esthétique fantasmagorique et ses thématiques décalées  vontalors, à coups de riffs de guitares,  donner  lieu à des mises en scène le plus souvent corrosives et provocatrices. Le NIFFF propose au public d’en découvrir quelques-unes des plus cultes !

Rocky Horror Picture Show Live
Afin de célébrer dignement les trente ans de Couleur 3, le NIFFF et la troisième chaîne radio de la RTSs’associent pour convier le public à une séance ahurissante du cultissime Rocky Horror Picture Show.Une mise en scène délirante et bien d’autres surprises à découvrir le jeudi 12 juillet !

Ciné-Concert Metropolis
Chef-d’œuvre signé Fritz Lang sur une musique originale de Gottfried Huppertz, Metropolis (1927) a marqué à jamais l’histoire du cinéma et de la musique de film.  Au moment où la Cinémathèque française vient de consacrer une exposition et un cycle à l’œuvre de Fritz Lang, le Festival International du Film Fantastique de Neuchâtel se fait lui aussi  le relais d’un hommage à  l’un des cinéastes mais aussi à l’un des films d’anticipation les plus significatifs du 20è siècle.Dans la plus pure tradition du cinéma muet,  le NIFFF se  propose  de faire  découvrir  au public,  en collaboration avec le Nouvel Ensemble Contemporain (NEC), l’intégrale de l’œuvre accompagnée par sa partition musicale d’origine, exécutée en direct. Un spectacle inédit en Suisse à ne pas manquer le dimanche 8 juillet 2012 !

A près d’une semaine de sa sortie aux USA, Chernobyl Diaries, le nouveau film de found footages imaginé et produit par Oren peli, fait l’objet d’une nouvelle featurette intitulée Going to Extremes.  Sous prétexte de mettre en garde contre les dangers encourus par les fondus d’expériences extrêmes, le marketing du film livre une vidéo de fails en tout genre et parfois bien vertigineux.

La featurette est à découvrir ici.

Pour rappel le film suit une bande de jeunes faisant un peu de tourisme sur les site de Tchernobyl jusqu’à ce que leur périple dérape sévèrement quand les lieux se révèlent être bien moins déserts que prévu…

Le film sortira le 11 juillet prochain en France.

News par Alex B
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Cette année, Mad Movies, le magasine qui vous offre tous les mois « Le plus fort du Cinéma », et que vous connaissez certainement, a 40 ans. Alors, pour fêter dignement cet évènement unique, le mensuel et Gaumont s’associent pour offrir à leur lectorat/public friand de fantastique pelliculé un nuit particulièrement généreuse en films cultes et en surprises diverses ! Cinq longs-métrages seront donc projettés, dans une débauche de folie et de délires que l’on espère orgiaque.

Si l’on ne connait pas encore le titre du film qui sera choisi pour ouvrir cette nuit, même si on peut légitimement avoir une ou deux petites idées sur la question (et vous, chers lecteurs, quel cauchemar pelliculé inédit verriez-vous bien projeté ?), les quatre films annoncés ont de quoi filer une banane d’enfer. Mais jugez plutôt par vous-même et par le menu (cannibale, bien sûr) :

- Massacre à la Tronçonneuse, de Tobe Hooper (1974)
- New York 1997, de John Carpenter (1981)
- Starship Troopers, de Paul Verhoeven (1997)
- Shaun of the Dead, d’Edgar Wright (2004)

De plus, la programmation sera assaisonnée de dizaines de bandes-annonces bis et choc, la Mad Team animera la soirée et sera rejointe par des invités surprise évidemment non dévoilées à ce jour. Rendez-vous est donc pris le 16 Juin dès 20h au Gaumont Opéra Capucines pour cette grande fête d’horreur et de sang.

Après une saison 1 plutôt mouvementée, Teen Wolf revient pour une deuxième saison qui commencera début juin aux USA. En attendant, découvre la bande-annonce qui dévoile une rentrée des classes toujours aussi sanglante et forte en adolescents un peu trop poilus.

TRAILER:

Le kung fu version Lycantrope…

Un look toujours aussi old school

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